GIM's Public Art Story 3 : 여의도 공원, 국기봉
그곳 광장을 지배하고 있는 50미터 높이의 거대한 기둥이다. 
국가공동체의 심볼인 태극기를 굳건히 떠바치고 있는
모뉴멘털한 이 기둥을 통해서
상징조형이 광장을 지배하는 방식을 새삼 들여다 볼 수 있다.
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▷ 우신출 (禹新出·1911~1992)
부산 동구 수정동에서 태어나 부산진소학교를 다녔다. 특별한 전문 미술교육을 받지 않았지만 스스로 그림 그리기를 익혀 화가로 성공했다. 그는 부산에 거주하거나 왕래하는 일본인 화가들의 영향으로 그림을 배웠으며, 현장에서 직접 그림을 완성하는 인상주의 화풍으로 부산 시내와 교외의 자연 풍경을 담은 다수의 작품을 남겼다.
부산한 붓질로 대지와 바다를 만난 화가
1992년 10월 23일. 여든을 넘긴 노화가는 여느 때와 같이 그림을 그리러 교외로 나섰다. 기장군 기장읍 해동용궁사였다. 가파른 108계단을 다 오른 노화가는 심장마비로 쓰러져 병원으로 옮겼으나 이내 숨을 거뒀다. 분필을 든 교사가 교단에서 쓰러져 생을 마감하는 신화처럼, 그림 그리러 나섰던 화가가 현장에서 삶을 마감한 것이다. 훤칠한 외모에 손수 만든 나비 넥타이를 매고 다녔다는 멋쟁이 화가 우신출은 그림을 시작하던 시절부터 삶을 마감할 때까지 그의 온 삶을 통해서 20세기 한국사회가 서구를 수용하고 자기 것으로 소화해낸 과정을 여실히 보여준다.
미술사는 우신출을 서양화가로 분류할 것이다. 그러나 필자는 그를 서양화가라는 말로 호명하고 싶지 않다. 그는 서양에서 유래한 유화물감으로 그림을 그렸지만 그가 그린 그림을 서양화로 부르는 것은 몹시 마뜩찮기 때문이다. 그는 부산에서 태어나 부산에서 살았고 부산을 그렸다. 앞뒤 10년을 제외하고 20세기 전체를 관통하는 부산 토박이의 삶을 살아간 화가이다. 그런 그가 새로 접한 유화라는 서양에서 유래한 매체를 만나 그림을 그렸다. 그렇다고 부산서양화가라고 부를 수도 없는 노릇이다.
이것이 우리 근현대사가 안고 있는 아이러니이다. '근대화=서구화'라는 등식은 우신출이라는 화가에게 깊이 새겨진 정체성과도 같다. 유화물감과 공업용 페인트를 구분하지 못했던 10대의 우신출이 부산미술전람회를 이끈 중견작가로 성장하고 부산화단의 중진·원로로 활동하기까지 우신출 개인은 서구적 방식의 근대미술을 첫걸음부터 완숙기에 이르기까지 오로지 변화·발전하는 부산지역 안에서 체험했다는 점이 중요하다.
페인트 그림으로 부산미술전람회 입선
우신출이 화가의 길에 접어든 것은 당시의 일반적인 화가들에 비해서 매우 이례적인 일이었다. 그는 소학교를 마치고 독학으로 공부하며 그림을 그리기 시작했다. 인척과의 인연으로 10대 후반부터 페인트로 그림을 그리던 중에 임응구(林應九, 1907~?)를 만나 유화라는 것을 처음 접했다고 한다. 그러나 그가 화가가 되기까지는 몇 가지 우여곡절이 더 있었다. 그는 돌연 출가해 범어사로 들어갔다가 1932년 제3회 부산미술전람회에 유화물감이 아닌 페인트로 그린 그림으로 입선하면서 본격적인 화가의 길에 접어들었다. 이후 그는 1934년에 수정사립보통학교 교사를 시작으로 미술교사와 장학사를 거쳐 기장중학교 교장을 맡았고 이후 평생을 교단에 있으면서 꾸준히 그림을 그렸다.
여기서 우신출이 페인트 그림으로 착각한 유화로 부산 최초의 개인전을 연 화가 임응구를 잠시 들여다볼 필요가 있다. 임응구는 한국 근대 사진계를 이끈 임응식의 친형이다. 그는 1928년에 제2회 조선미술전람회(선전)에 입선한 이래 부산지역에서 활동한 이른바 서양화가 가운데 선구적인 입지를 가진 작가이다. 서양화, 유화, 전람회 등 근대적인 의미의 미술 창작 방법과 시스템이 부재하던 시절 임응구는 부산에 머물고 있던 일본인 화가들로부터 영향을 받아 서양식 그림인 유화를 그리기 시작했다.
부산 최초 유화 개인전 연 임응구를 만나다
부산지역 미술인 가운데 최초로 당시 유일한 등단 시스템인 선전에 입선한 것은 부산 근대미술의 분기점으로 통하고 있다. 부산시립미술관이 개관 10주년 기념전으로 '부산미술 80년, 부산의 작가들'이라는 타이틀을 내 건 것도 여기서 비롯한 일이다. 임응구는 남아있는 작품도 거의 없는데다가 일본으로 귀화한 이후 행적이 잘 알려지지 않아 본격적인 연구가 이루지지 않고 있지만, 부산지역 근대미술을 일군 선구적인 역할을 한 것은 분명하다. 임응구가 1930년에 최초의 서양화가 개인전을 열 때 '페인트 그림'에 관한 호기심을 가지고 접근한 우신출이 임응구로부터 유화에 관한 정보를 접했다는 유명한 일화도 있다.
우신출은 한국전쟁 이후 부산지역 화단과 일정정도 거리를 두고 지냈던 양달석과 비교적 자주 만나며 친분을 유지했다. 젊은 시절부터 부산지역 작가동인 춘광회를 통해서 화단의 동료로서 관계를 돈독히 해온 사이였다. 우신출은 여느 화가들처럼 학교에서 회화 학습을 거치고 유학 경력을 가지지 않았으면서도 부산지역 화단을 이끈 화가로서 자리매김했다. 격의 없이 우신출과 함께 한 춘광회 멤버들을 비롯한 동료 작가들의 열린 자세를 읽을 수 있는 대목이다. 학맥과 인맥에 근거한 배타성이 자리 잡기 이전의 유동적인 상황과 부산지역 화단의 근대성을 일군 리더들의 열린 마음. 직접 만날 수 없지만 상상만으로도 즐겁다.
부산미술전람회(1928~1942)는 부산에 거주하는 일본 사람들이 주축이 된 전람회였다. 일본화와 양화 부문으로 나뉜 이 전람회는 2회 때부터 조선인 임응구에게 출품을 허락했다. 4회 때 임응구와 우신출이 출품한 이래 5회를 넘기면서부터는 서너명 이상의 부산지역 작가들이 출품하기 시작했다. 일본을 배운 화가 임응구로부터 그림을 배운 우신출은 일본의 창을 통해 서양을 접했다. 부산양화전람회는 1932년부터 열리는데 이때 이인성, 우신출, 이상돈, 김원갑이 출품했다. 1937년에는 양달석, 서성찬, 김남배, 우신출 등이 참여한 춘광회 첫 전시가 열린다. 우신출은 스무살을 넘기며 빠르게 부산화단의 주역으로 성장해나갔다.
평생 걸쳐 인상주의 화풍 체득
우신출은 평생에 걸쳐 인상주의 화풍을 자기언어로 습득하고 체득한 화가이다. 인상주의라는 말은 19세기 말 유럽의 아카데미 화단으로부터 멸시 받은 낙선전 출품작들을 보고 '참 인상적이군요'라며 조롱한 비평가들의 언급에서 유래했다. 따라서 그 이름은 별칭과도 같은 것인데, 본질을 따져 묻는 이름으로는 외광파라는 말이 있다. 말 그대로 바깥과 빛이라는 두 요소를 강조한 것인데, 이들 인상파 화가들이 바깥에 나가서 직접 그림을 그렸다는 점, 빛의 변화에 따른 사물과 풍경의 변화를 포착해서 그리는 데 초점을 맞췄다는 점이 외광파라는 이름을 낳게 했다.
그들은 아침 해가 뜨는 장면, 눈부신 햇살 아래 펼쳐진 풍경, 스모그 가득한 도시의 잿빛 등을 그렸다. 정연하게 다듬어 붓질의 흔적을 비워버린 고전주의 화풍과 달리 인상주의 화가들은 때로는 거칠게 또는 부드럽게 지나간 붓자국과 물감 덩어리를 드러내며 표면질감을 드러내는 데 몰두했다. 붓을 들고 대지와 만났던 그들처럼 우신출은 평생 자연을 만나 붓과 물감으로 눈부신 빛과 색채의 세계를 열었다.
한국 근대화단의 단면 고스란히 담아
우신출을 보면 한국 근대화단의 단면이 보인다. 그의 초기작에서 만년작에 이르기까지 전 작품들은 한국의 근대미술이 어떻게 서양을 학습하고 자기 것으로 만들어 나갔는지가 한눈에 들어오기 때문이다. 부산시립미술관이 소장하고 있는 '삼행의 길'(1931)이나 '농가풍경'(1932), '정물1'(1933), '초량풍경'(1933), '자화상'(1934), '가지가 있는 정물'(1936), '버드나무'(1944) 등으로 이어지는 초기작들은 매우 중요한 자료들이다. 이 시기의 작품들을 실물로 접하기 어렵기 때문이다.
20대 초반 습작기의 우신출이 어떤 진화단계를 거쳤는지를 증거하는 이 그림들은 유화물감을 캔버스에 발라서 그림을 그리는 행위, 즉 서양화 그리기의 첫걸음이 어떤 분위기였는지를 잘 보여준다. 인물과 정물, 풍경 등을 그린 이 그림들은 투박하고 거친 붓질과 소박한 주제의식에서 출발해서 이내 매우 감각적인 터치로 유화의 제 맛을 잘 살리고 있다. '강변풍경'(1972)과 '여름 숲속에서'(1973)와 같은 작품에 이르면 감각적인 색채와 속도감 있는 붓질, 그리고 탄탄한 구도가 어울려 그림 그리기의 현장감이 생생하게 살아있다.
우신출은 평생 그림을 그렸다. 그것도 자신이 살고 있는 부산의 안팎을 분주히 다니며 현장에서 그림을 그렸다. 도시 바깥의 풍경을 그리는 일은 근대미술이 새롭게 발견한 예술적 소통의 첫걸음이다. 붓과 물감으로 대지와 바다를 만나는 일, 미술의 창으로 자연을 만나는 일. 우신출의 저 부산한 붓놀림이 만들어낸 20세기 부산 미술의 역사 속에서 자라난 우리의 자산이 아니겠는가.
김준기(미술평론가·부산시립미술관 큐레이터)
국립고양창작스튜디오. 그곳은 태릉선수촌과 같은 곳이다. 국가대표 미술선수를 육성하는 엘리트 미술의 요람이다. 그곳에 입주해서 일년 동안 수많은 미술인들과 대면하는동안 그들은 엘리트 미술이 무엇인지를 몸소 체험한다.
그곳에서는 미술에 관한 현재의 합의가 자연스럽게 반복재생산된다. 미술장의 관행을 지탱하고 만들어나가는 곳. 그곳에 입주해 있는 한 작가에게 어드바이스를 하라는 요청을 받고 그를 만났다. 김민정 작가. 그와 나눈 이야기들을 다시 글로 풀었다. 역시 말과 글은 다르다.
미술...... 나는 그 끝모를 미로의 한 가운데 서서 '내도 모르고 니도 모르는, 그래서 우리 모두가 모르는' 미술이라는 끈을 잡고 헤메고 있다. 
공간과 매체의 경계, 김민정의 경우
김민정과의 대화는 공간과 영역, 사회와 개인, 매체와 개념 등의 몇몇 가지 논점으로 이어졌다. 우리의 논지는 김민정의 공간이 집과 작업실, 전시장 등과 같이 자신의 가시적인 생활영역에 국한된 것이라는 점, 따라서 비가시적이며 가시적인 체험과 상상의 공간이나 영역에 관한 관심으로 확장할 필요성이 있다는 데 초점을 맞추었다. 김민정은 그것을 사회적인 문제를 다루는 작가의 태도와 방법론에 대한 고민으로 풀이했다. 숨쉬는 벽과 문은 그에게 있어 놀라운 발견이었다. 그러나 그 발견 이후 그는 예술가의 체험이 예술적 생산과 어떻게 결합해야하는가 하는 문제가 그와 나의 관심사였다. 김민정과의 대화에서 내가 오해하고 있었던 것은 무엇인가? 혹은 내가 그와의 대화에서 얻은 것은 무엇인가? 그는 나에게 (강변하지는 않았지만) 예술이란 꽉 짜여진 가치체계 안에 가둬진 것이 아니라고 말해주었다. 그가 생각하는 예술이 바로 예술을 만드는 출발점이라는 점을 다시 생각했다. 그는 초심을 가지고 출발선에 선 작가이다. 그의 고민은 곧 나의 고민이었다. 그런 점에서 그는 나를 어드바이징 했다.
90년대 이후 세대들 다수에게 있어서 사회적인 주제나 이데올로기의 문제 등은 다소간 거북한 것일 수밖에 없다. 어떤 작가들은 이 대목을 일종의 콤플렉스로 받아들이기도 하고, 어떤 작가들은 주목받기 위한 전술로 활용하기도 한다. 김민정은 전자의 경우에 해당한다. 김민정은 작업실용 사회비판과는 거리가 멀다. 전시장에 앉아 세계를 들었다가 놓는 상투적인 비판정신은 이제 아무런 자극과 상상을 주지 않는다. 상투적이고 관념적인 사회비판은 상상력과 창의력의 빈곤에서 나온 무기력한 넋두리에 지나지 않는다. 물론 그 넋두리도 진솔한 것과 그렇지 않은 것으로 나눌 수 있기는 하지만. 나는 그에게서 이른바 ‘사회적인 것’에 대한 우리시대의 오해와 편견을 해소하고 또 다른 길로 나아가리라는 희망을 발견했다. 보편적인 것은 특수한 것의 발현이며, 글로벌한 것은 로컬한 것과 한 몸이다. 따라서 사회적인 것과 개인적인 것은 불이(不二)의 것이다. 지극히 개인적인 차원의 문제들을 집요하게 다루다보면 그 속에서 우리사회의 단면을 발견할 수 있다. 지극히 평범한 이 관점을 대부분 망각하거나 간과하고 있다. 심리적인 것과 사회적인 것이 상호배타적일 것이라는 편견도 있다. 사회의 구조를 지탱하는 개인심리와 집단심리의 작동을 생각해보면 해답은 간단하다.
그는 스스로 매체장악력을 넓혀왔으며 그것이 점점 미술계에서의 인정투쟁 과정에서 생존 가능성을 넓히고 있다는 점을 감지하고 있다. 그러나 그는 가능성을 확장하는 만큼 자신이 삶의 체험을 통해서 메시지의 발신자로 자리매김하는 데 있어 새로운 길을 찾고 있다. 김민정은 최근 무대에서 무용가의 안무와 결합하는 영상을 준비하고 있다. 물론 자신의 신체가 만들어내는 전위적인 음향도 가미된다. 오픈스튜디오를 위한 작업에서는 작업실 공간 가운데서도 창에 주목한다. 그는 창을 대치하는 영상을 만들고 그 영상이 창 틀 밖으로 나와 전시장 공간을 유영하도록 하는 작업을 준비하고 있다. 문제는 그 영상의 이미지들이다. 그는 지금까지 공간 내부에 집중한 나머지 공간 바깥을 다루는 데 인색했다. 그것은 자신의 사유와 체험을 근거로 하는 작업 태도 때문인데, 최근에 그가 구상하고 있는 작업은 자신이 머무르는 물리적 공간 개념을 넘어선 새로운 공간 개념이다. 공간을 가시적인 공간(space)로 한정하지 않고 비가시적인 영역(sphere)의 문제로까지 확장하려는 시도이다.
최근작 이전부터 김민정은 경계 위에 서 있었다. 그는 실재와 가상, 물질과 비물질, 개념과 조형, 시각과 청각 등 여러 가지 대립항들 위에 서서 경계를 타넘는 작가이다. 그는 빈번히 실재공간과 가상공간의 경계를 넘나들었다. 실재 공간을 왜곡하고 변형하는 일루전의 세계. 그것은 영상을 통해서 가상의 실재를 창출하는 김민정의 세계이다. 그의 작업을 통해서 집과 작업실, 전시장 공간이 숨을 쉰다. 고정된 틀이 움직이며 숨을 쉰다. 자신의 신체에서 나오는 다양한 음향들이 영상과 더불어 숨을 쉰다. 김민정의 작업이 공간에 대한 관심을 가지고 있다는 점은 작가 자신을 비롯해 여러 큐레이터와 비평가들이 공통적으로 입을 모으는 진단이다. 최정희는 장소 특정적인 영상작업이라고 했다. 고유의 프레임 밖으로 나와 전시장 공간으로 확장하는 영상이라는 것이다. 벽과 벽 사이, 문과 틀 사이 등 틈새를 파고드는 영상이 장소의 맥락을 타는 작업이라는 데 주목하고 있다. 최은하가 지적한 포인트는 물질 구조의 실재 공간과 비 물질의 영상을 결합하는 작업이다. 김윤옥은 전시장공간과 영상공간, 현실공간과 가상공간의 결합을 통해 초현실적인 분위기를 연출한다고 언급했다. 임정희는 전시장 공간에 집이라는 공간을 투여함으로써 기억과 경험의 확장을 불러온다고 보았다. 김민정에 대한 이러한 비평적 언술들은 그를 공간 지각과 체험을 통해서 새로운 가상의 세계를 창출하고 그 과정을 통해서 공간을 전유하는 방식에 주목하고 있다.
미술대학을 졸업한 후 전업미술가로 자리잡아가는 시각이미지생산자들에게 있어 작업이란 우물에 물이 고이기를 기다렸다가 길러 올리는 것이 아니라 전동모터로 지하수를 퍼올리듯 뽑아내야하는 경쟁 그 자체에 가깝다. 김민정의 장점은 자신의 작업을 언어게임의 장을 관통하는 트렌드를 발견하고 거기에 기대는 데 집중하지 않는다는 점이다. 그는 자신의 내면으로부터 나오는 감성들을 소통가능한 언어로 생산하는 일에 초점을 맞추고 있다. 내적 필연성으로부터 발화하는 작업. 진정성이라고 불러도 좋을 법한 작가의 삶과 유기적으로 호흡하는 작업. 그것이 지금 김민정이 찾고 있는 길이다. ‘삶과 예술은 경쟁하지 않는다’는 의제 허백련의 명제가 치열한 시각언어 게임의 장인 고양스튜디오에 입주해있는 지금의 김민정에게 절실한 화두라는 것은 매우 역설적인 일이다. 예술가로서 살아가는 것이 박제화한 언어게임의 장에서 장의 논리에 함몰되는 언어생산에 몰두하는 것으로 한정될 수 없다는 그의 생각은 따라서 매우 이례적일 수 있다. 그러나 그는 알고 있다. 인정투쟁에 몰두해서 일시적인 성공을 거둘 수는 있겠지만, 과연 그것이 누구의 것인지, 무엇을 위한 것인지, 그리고 그 결과가 얼마나 불안하고 허황된 위치에 작가라는 존재를 자리매김하게 하는지 말이다.
그는 조각가 정체성에서 예술가 정체성으로 확장된 영역을 설정해왔다. 그는 오프라인 기반의 작업 뿐만 아니라 온라인 기반의 작업까지 두루 관통할 수 있는 작가이다. 그는 모델링과 드로잉, 3D 애니메이션과 구조물 설계, 인테리어, 웹디자인과 웹프로모션 그리고 사진에까지 전방위의 관심과 능력을 갖췄다. 그것이 완벽한 능력인가 아닌가 하는 문제보다 중요한 것은 그가 전방위에 관심을 두고 자신을 표현하는 데 있어 가능한 모든 매체를 선택한다는 점에 있다. 매체선택과 관련한 김민정의 행보는 정보와 통신이 비약적으로 발전한 정보화 사회의 예술가에게 필요한 것이 무엇인지 다시 한 번 생각하게 한다. 매체를 장악하는 능력. 그것으로부터 작가 고유의 스타일이 나온다. 예술은 정신이면서 동시에 물질형식이다. 따라서 그것이 개념적이든 조형적이든, 오프라인이든 온라인이든, 심지어는 물질적이든 비물질적이든 작가는 자신의 이념과 감성을 실현할 물질적 기반이 필요하다. 그 물질적 기반의 현현이 스타일이다. 김민정은 자신의 아이디어를 실현할 명쾌한 스타일을 만들어 왔다. 매체를 장악한 예술가는 그 이후 무엇을 잡아야 하는가? 지금 김민정에게 필요한 것은 무엇인가? 김민정은 이미 그 해답을 가지고 있다. 그는 처음 출발할 때부터 이미 경계 위에 자리 잡고 있지 않았던가. ■ 김준기(미술평론가, 부시미 큐레이터)
* 고양스튜디오 어드바이징 프로그램 기고문.
